2016年9月26日
2016年9月20日
《聖杯騎士》：遊子不顧返
《聖杯騎士》由曾經在列尼史葛（Ridley
Scott）的《出埃及記：神王帝國》（Exodus: Gods and Kings）中飾演摩西的Christian Bale，演出男主角，此外電影中有旁白引述了《天路歷程》（The Pilgrim's Progress，片中還有Ralph
Vaughan Williams的音樂）和新約外典《多馬行傳》（The Acts of Thomas）的《珍珠之歌》（Hymn of the Pearl，中譯本詳參黃根春主編的《基督敎典外文獻：新約篇》第三冊），而且大量運用葛利格（Edvard Grieg）的《皮爾金組曲》（Peer Gynt Suite，尤其是Solveig's Song）。
從種種線索可見，漫長旅程和靈知主義（Gnosticism，或稱諾斯底主義）是電影的重點，換言之，以靈知主義的二元論看，從黑暗走到光明，從肉體的遮蔽到心靈的開啟，達到神聖超越的旅程，是《聖杯騎士》的思想要旨。
《聖杯騎士》刻劃出現代社會的精神低谷，在電影開始之時已運用荒原意象，以至於Christian Bale飾演的主角Rick（暗示最終的Wake），一如異鄉人孤苦地遊走其中，不知去向，顯然Rick是一個空洞的人或昏沉的靈魂，繼而他出入於同樣空洞的現代化建築、拉斯維加斯的賭場、不同風格的夜店等等，肉身迷失於種種色欲世相。
電影用塔羅牌的卡名，分為七個章節段落，更加入塔羅牌沒有的「自由」作為終章，刻劃主角走出了心靈的困局，七個段落是人生苦惱的循環反復周期，也恰恰對應費里尼（Federico
Fellini）名作《露滴牡丹開》（La Dolce Vita）的七天段落，事實上《露滴牡丹開》和《聖杯騎士》也分享不少相同的主題，包括現代人的迷失、存在意義的失落等等。
《聖杯騎士》的片名本身正是來自塔羅牌的卡名，多少定下了電影的浪漫、象徵和神秘主義基調，如果分開聖杯和騎士兩者，當然也指向聖杯的宗教意義（耶穌在受難前最後晚餐所用的杯）和亞瑟王傳說中騎士的尋索歷程。
《聖杯騎士》的Rick就如尋索的騎士，也如《珍珠之歌》中的王子，到埃及去尋找珍珠（珍珠可視為靈魂的隱喻，跟黑暗相對），但王子忘記了一切，最終重新醒覺，完成了使命，《珍珠之歌》帶出的內容，正是《聖杯騎士》的迷失與超越、肉身與靈魂、黑暗與光明的靈知主義二元論基礎，而不顧返的遊子，最終還是浪子回頭。
Rick經歷了家庭的爭執、事業的停滯、感情的起跌，大概可以對照泰倫斯馬力的個人經歷，但更重要的，依然是點出人的孤苦、恐懼、昏沉、墮落和欲望，人嘗試以迷信和禪修，推敲及尋找出路，但電影著重點出，人經歷了種種苦難和打擊，得以洗煉，才有自由的內在超越。
由此回顧，我們就可以理解《聖杯騎士》的視覺特點，例如不斷前推的鏡頭，大量運用的仰鏡，都有尋索和仰望天國的意思，至於經常出現的飛行或飛機意象，也代表了超越自我的內心動向，至於海和水的意象，既代表不確定的物質世界，也代表清洗和潔淨的意思，而值得注意《聖杯騎士》的海報，倒置的主角如正在墮落，月亮缺後重圓，代表心靈的修復，棕櫚樹就有生命向上和一切都有可能之意。
電影大量的女性角色，有些是露水情緣，有些與Rick有愛情甚至婚姻關係，帶來美和痛苦的記憶，但重點是Rick經歷了不同關係，認識自我，更在最後的神秘女子帶領下，尋索到靈魂超越的光明，電影完結時，正是人生另一層次的Begin。
2016年9月12日
2016年9月10日
《胡莉糊濤》：沉默茱麗葉
艾慕杜華（Pedro Almodóvar）的《胡莉糊濤》（Julieta）改編自2013年諾貝爾文學獎得主艾莉絲孟若（Alice Murno）的三個短篇小說：〈機遇〉（chance）、〈快了〉（soon）、〈沉默〉（silence），三個作品原載於孟若小說集《出走》（Runaway，或譯《逃離》，有張讓和李文俊兩種中譯）。
《胡莉糊濤》值得注意的地方，是西班牙導演如何改編加拿大小說家的作品，當然，好的改編多數不是拳拳服膺、搬字過紙，還需要導演個人的理解、視野和風格，以艾慕杜華的風格而論，《胡莉糊濤》保持了他一貫的神采，但孟若在文學方面的優點也難免付之闕如。
《胡莉糊濤》在情節上參照孟若的三個短篇小說，焦點是女主角Julieta（小說名為Juliet）的半生，她在火車上邂逅了她喜歡的男人（電影中名為Xoan，小說中名為Eric），二人同居並生下女孩（電影中名為Antia，小說中名為Penelope），可是男人在一次爭吵後打魚，遇海難身亡，而女孩也逐步遠離了自己的母親，過自己獨立的隱修生活，以至有自己的下一代。
小說的特色是含蓄、內斂、跳躍，重點是滲透出生命中的偶然、感覺、孤獨和疏離，換言之，小說由生命中微妙的轉折點出發，而敘述眼光是世故的洞察，篇幅短小精悍，但足以令人產生深入的內省，正是孟若承傳契訶夫以來的短篇小說傳統。
電影呢？艾慕杜華採納Melodrama的敘事策略，運用書信形成倒敘，製造懸疑，一步步揭示秘密的真相，人與人之間的關係明確，故事進展有條有理，視覺方面，色彩對比鮮明，適時牽引情緒。至此不妨借用梁啟超在〈小說與群治之關係〉一文的說法，孟若的小說用熏之力，烘托感染，使感受者不覺，故近於漸；艾慕杜華的電影用刺之力，使感受者驟覺，故近於頓。
小說與電影的高下難以立判，但孟若的小說讀者難免相對小眾，作者可以留白，讀者可以深思細味，自行填補；電影就相對大眾化，以充實緊湊的戲劇化情節牽引觀看者。聚焦於電影而論，艾慕杜華確實抓緊了空虛孤寂的題旨，生離與死別是人面對的必然命運，就正如女主角Julieta在課堂上講解荷馬《奧德賽》的卡呂普索（Calypso），卡呂普索將奧德修斯留在島上多年，但在宙斯的命令下，她不得不將奧德修斯送上回家旅途。因為離別，過去近在眼前的人，如今遠在天邊，人就面對孤獨。Julieta的命運，就是Eric之死，以及Antia的辭別，而最重要是一切的責任和情感包袱令人產生罪疚感，令人進一步疏離。
電影的情節發展下來，是令人對Julieta產生同情（例如重傷等等），而觀眾就如海史密斯（Patricia Highsmith）小說中的窺伺者，此外，艾慕杜華以海和男人坐姿雕塑為主要意象，呼應《奧德賽》和殘缺的失落感，至於電影留下比較光明的團圓結局，也符合一般Melodrama的敘事模式。
2016年9月6日
2016年9月3日
2016年9月1日
2016年8月19日
《沙地阿拉發》：推銷員之路
基本上，湯泰華（Tom Tykwer）的電影《沙地阿拉發》（A Hologram for the King）相當忠於戴夫艾格斯（Dave Eggers）2012年的同名原著小說，有些對話甚至是從小說文本搬字過紙。不論小說與電影，中心焦點當然是Alan Clay，而他面對的正是事業轉型問題（另外還有婚姻問題），而事業危機引發的是失業問題和債務問題，Alan Clay是整個西方經濟發展的一個微觀縮影，當西方在2008年金融海嘯的谷底逐步反彈之際，中國威脅論的聲音在政界、商界、民間和文化界之中，早已昭然若揭。
Alan Clay的最後一根稻草，就是向沙地阿拉伯國王推銷3D全息投影會議系統，於是他孤身來到荒茫一片的沙地阿拉伯新開發區「國王經貿城」，與其他技術部門同事準備推銷工作，可是問題還是接踵而至，包括國王遲遲不來，網絡不順暢，物資短缺等等，甚至Alan Clay自己的健康也出了事，需要看醫生。
除了Alan Clay，《沙地阿拉發》中比較特別的兩個角色，分別是司機Yousef和女醫生Zahra，片中Yousef是引路人，而Zahra就是解救者，Yousef帶來喜劇笑料，Zahra帶來浪漫感性。Yousef不單為Alan Clay駕車，更引領本來是局外人的他，跟阿拉伯世界作第一手接觸，在生活和食物等基本層面以外，甚至帶他路過聖城，抵達鄉鎮故居，深夜一起獵狼，一瞥相對真實的當地人生活。當然Alan Clay也有自己的獨特發現，例如光怪陸離的發展中社區，混亂的興建中大廈裡，原來有一個光鮮豪華的房間。
至於女醫生Zahra，在片中也有相當重要的位置。電影中她的外表冷酷，似是強勢的女性角色，而電影除了展現她工作的態度，也逐步轉向著墨她的婚姻問題，以至內心的欲望、感情的抉擇等等，令觀眾對這位伊斯蘭世界的女性，有不同角度的了解。
《沙地阿拉發》以3D全息投影會議系統，為Alan Clay手上的賣點，而片中飾演Alan Clay的，正是可以代表美國國家敘事的湯漢斯（Tom Hanks），如此令人想到所謂科技系統，也指向近年來的荷里活電影工業，由於3D技術上的突破，荷里活找到電影工業的突破點，可是創意能可否帶來可持續的長遠發展呢？若然不思進取，單靠超級英雄片和續集片複製公式，始終是死路一條。
近來中國資金大舉湧入荷里活，中國大陸首富王健林持有的萬達集團，收購美國傳奇電影公司（Legendary Pictures）就是最好的例子。隨著中國電影工業總量，達到甚至超越北美水平，世界電影工業和出品，將有翻天覆地的變化，當美國還糾纏於伊斯蘭世界的衝突，世界另一邊的中國已今非昔比，全球的文化版圖正在轉變。
《沙地阿拉發》以Alan
Clay的事業和感情為主軸，德國名導湯泰華加入了幽默、溫情、浪漫、探奇等元素，豐富多樣，而電影將可能是不乏自嘲和諷刺警世意味的輕鬆預告了。
2016年8月8日
那些年过年‧看电影最重要的娱乐
打从有记忆以来，郑政恒印像中最早的电影观赏回忆，是在10岁之前的某年，一家四口到戏院看贺岁片。那时候的香港戏院都是独立式建筑物，很大，有两层，可同时容纳逾千名观众。当时，看电影是过年时其中一件最重要的事。
问他是否还记得看的是那部片，他说：是许冠文主演的《铁板烧》。
这一期型时代封面人物专访，我们有香港专业影评人郑政恒，畅谈电影大小事。
事实上，《铁板烧》是许冠文自导自编自演的作品，1984年上映。以此推算，郑政恒仅有3岁。80年代前后，是香港电影工业的黄金期，尤其出产很多贺岁片，戏票也很便宜，是普罗百姓很重要的日常娱乐节目。
然而，也仅有这么一次，随后很长一段时期，郑政恒的父母都没再带他去电影院了。
再后来的电影记忆，则是在电视台内观看电影，每10分钟进1次广告。他记忆犹新，连续很多年的圣诞节，香港明珠台会播放圣经电影《十诫》。当时，有很多史诗电影在电视台播放。
香港影评人郑政恒：电影，反映人生，说出大家没说出口的……
90年代初，是港产片最高峰时期，随后渐走下坡，其中一个原因是好莱坞电影的强势来袭。当时创下全球电影票房最高纪录的《侏罗纪公园》系列，就是其中一部经典代表。第一集于1993年上映之后，分别在1997年及2001年上映的第二及第三集，也在在牵动了全球电影业的趋势与发展。
时间往前推到70年代末到90年代，郑政恒说，不管是鬼片、功夫片或警匪片，香港电影当时几乎都是喜剧。
“喜剧是港产片的特色，娱乐元素很浓，就是要你边看边笑。香港当时正经历社会化与商业化，工作机会多了，钱就赚多，然后时间也多，百姓就会去看电影休闲一下。”
当时也少不了新浪潮电影，名导许鞍华就拍了不少人文写实电影，如以越南共和国（南越）灭亡后为题材的《投奔怒海》，1982年上映，在金像奖获得多项大奖。
香港1997年回归，港人普遍在情感上较复杂，电影也开始出现很多关于身份认同的讨论。其中一部最著名的，非关锦鹏于1987年执导的《胭脂扣》。领衔主演的是梅艳芳与张国荣。另外一部代表作，则是王家卫的《阿飞正传》，1990年上映。
“电影反映人生，通常是电影工作者与大众的心理投射。平日我们没问出口的问题或藏在内心的疑惑，电影会替我们发声、讨论。很多导演都致力于在不同的年代发出不同的思考点，赋予了电影在娱乐之外所扮演的另一个深层意义。”
港人普遍在2007年左右，身份认同达致一个最高点。当时的北京奥运带来很多激情，很多香港电影工作者到中国去寻找机会，促成了很多合拍片的诞生。民族认同也因对当时的领导人胡锦涛、温家宝等的信任，而提升。不过，从那至今的10年间，港人对中国的认同与好感却直线下降。
民间普遍认为，主因是奥运与地震之后，港人看到了中国有越来越曝露在外的实际问题，如学校豆腐渣工程等，大量自由行旅客给香港也带来沉重压力。界限变得模糊后，来往愈加频密，矛盾与摩擦也激增。
去年，《十年》这部电影制造了话题与讨论。年初，更勇夺金像奖最佳电影，成为佳话。
这是一部集合了5名年轻香港导演拍摄的短片合集，谈及未来的忧虑。这10年除了反映当下，也想像未来。片中提出了中国对香港的干预，包括发展、政治、语言等，以及对生活文化、本土特色等疑问；提出了对当下的批评、对未来的忧虑。
“80后到90后这个时代的年轻港人，对中国的身份认同是最低的。他们倾向于在不会报道太多对于中国的负面消息的主流媒体外，如网络，去了解中国及共产党。在可以自由发表意见的网上，他们吸收任何对于中国正反两面的观念。他们自由讨论着可以走得比较远的论述，也批评中国对香港的这些干预。”
中国接收了香港纯熟的电影技术
香港电影的本土特色却逐渐消失
香港电影的本土特色却逐渐消失
商业影响文化，这是为了生存；郑政恒说，约2003年启，香港电影工业就出现了“何去何从”的困惑，几乎在同一个时间，中国也开放了合拍片的邀约。事实上，这对中国来说是有好处的，吸收较成熟的香港电影技术、导演风格等。然，无可避免的，到了中国拍片后，香港特色也渐消逝。
他指出4大主因，首先是“老板”（陆资）的想法与意见，还有“顾客”（观众）的需求，都会影响电影工作者的态度与方向。再来，是审查制度的限制，包括对现实、尖锐或批判内容的限制。最终，回归较保守的形式，就是拍摄古典题材，如《西游记》、《三国演义》……“资金看来是比以前多很多，但电影拍出来的港味就少很多。大众及评论员都普遍认为，这对港产片工业及文化发展来说，是很不健康的。电影应集中体现的，是生活现实与本土文化。”
若电影工作者一窝蜂涌去拍摄同类题材，那原本应是“多元”的合拍片，最终只会沦为“单元”。
香港电影先后曾跟不同国家有合拍片的经验，如台湾、泰国、韩国与大马等。各国文化多元融合，开拓的是更健康与开放的市场。但若仅是为了赚钱而“西瓜靠大边”（粤语，意指靠拢某一方），他叹息，那只会得不偿失，导致文化特色的流逝。
“我认为，年轻的电影工作者必须先抓紧生于斯长于斯的土地，认识自己的文化与社会。不要一开始就急忙到大陆去寻找所谓的机会，先把自我认同扎稳了，才能够在多元合作的空间内拥有自己的想法与方向。”
他以导演作为例子分析，吴宇森、徐克、陈可辛等，在大陆可说是如鱼得水。将80至90年代香港电影的拍法、节奏等“搬到”大陆去，也还是可以将中国红色、古典、社会题材等发挥得很好。而年轻一辈的导演，或许还是比较难做到。他特别点名赞赏近期频频来马拍摄的林超贤，能在合拍片中保有想法与特色，是他相当看好的中生代杰出导演。
“电影除了肩负娱乐的责任，我希望未来还能多加一些深层思考，走向更成熟与更多元。电影史公共社会内的一个话题，应承担更多的公共思想责任。也希望合拍片不要仅限制在陆资，可放眼更多国家。”
香港目前有两大主要电影节，分别是香港国际电影节及香港亚洲电影节。他鼓励，除了多看影片，也可通过举办论坛，促进各国电影工作的交流与对话，通过差异化加深了解与促进合作。
大马电影除了站稳本地市场
更应思考如何进一步冲出本土市场
更应思考如何进一步冲出本土市场
约5到10年前，郑政恒对大马电影的认识是一批杰出的独立导演，有何宇恒、陈翠梅等。后来看过的有《初恋红豆冰》与《一路有你》等。近期，他观看的大马电影则是《我来自纽约》。此外，也是因林超贤等香港导演频频到大马拍片，他才对大马的认识多加深了一层。
他不违言，比起电影，大马演员与歌手较引起他的注意，如李心洁、阿牛、李馨巧等。尤其是后者在《激战》内的精彩演出，获得他的肯定与赞赏。
“我觉得大马电影的特色就是很突出二元对立的课题，如传统与现代、东方与西方等，或许这样比较容易获得大马本土的感觉认同。我觉得大马电影需思考如何多走一步，以便能够跟大马以外的观众多沟通。”
大马电影对他而言，处在极端的两侧，分别是主流的商业电影，以及精英且独立的非主流电影。他希望大马未来可尝试拍摄雅俗共赏的写实电影，成本不高，又能实际接触到社会的现实状况。
爱看电影，爱看书
乐于用文字分享自己的想法近期的
香港电影，我推荐……
乐于用文字分享自己的想法近期的
香港电影，我推荐……
除了写影评，郑政恒平日写的多是书评、文学评论及编辑杂志等。
每周看三四部电影，以最新上映的香港及美国电影为主，其次则是欧洲与亚洲电影，每周分别在《明报》与《香港经济日报》撰写影评专栏。同时，他也是电影杂志《hkinema》专题主编之一。这由香港电影评论学会编辑，获香港艺术发展局资助，每期设独立专题。不知不觉，郑政恒投身影评写作已有10年光景。
童年看电影，成长期则是大量看书，郑政恒累积了不少想法，也喜于跟大众分享。性格较文静的他，对于文字表达显得较有自信。他从电影美学出发，与大众与社会就电影作为话题对话，同时也分享想法。
“一部好电影有不同层次，最简单的就是讲一个好故事，也必须能促使关观众去思考、检讨或改变。”
近期，他喜欢且推荐的，有日本电影《甜味人间》，在日本生活文化内蕴藏着人生、智慧与态度。再来，有西方电影《马克白》，属新版莎士比亚电影。经典很难突破，虽不尽完美，但郑政恒却给予极高评价，认为这部电影很努力通过电影叙述传统英文文学的精粹，深刻表达了野心、权利、欲望、矛盾等的挣扎。
“至于香港电影，我会推荐《树大招风》，有着香港黑色警匪的电影文化特质。我尤其喜欢林家栋饰演的季正雄，探讨了很多关于自我压抑、友谊信任与背叛等课题，带点人生的讽刺。不过，这部电影在大陆或许不会很受欢迎，哈。”
文章来源：星洲日报／副刊．报道：黄佩玲．摄影：梁婉慧．2016.08.08
2016年8月2日
2016年8月1日
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